Шагающий человек I

Бронзовая статуя высотой 183 см, работа известного швейцарского мастера Альберто Джакометти. Скульптура, изображающая шагающего человека, была создана в 1961 году. Это первый вариант из серии статуй на такую тематику и считается одной из самых важных работ Джакометти.

3 февраля 2010 года скульптура была продана на лондонском аукционе Сотбис за рекордную для скульптур сумму в 65 млн фунтов стерлингов (104 миллиона 327 тысяч долларов). Владелицей скульптуры стала Лили Сафра, вдова бразильского банкира Эдмонда Сафра, проживающая на вилле Леопольда.

«Шагающий человек» – это одно из наиболее важных произведений в жизни автора, изображение которого можно увидеть даже на 100 швейцарских франках.

@exponat

Картины 14-летнего «Мини-Моне» из Норфолка стоят 2 млн фунтов

Как и все подростки, 14-летний Кирон Уильямсон (Kieron Williamson) любит после школы погонять мяч с друзьями на поле в своей деревне Ладем, в Норфолке (Восточная Англия). Но за пределами футбольной площадки он сильно отличается от сверстников. Ещё несколько лет назад журналисты прозвали Кирона Уильямсона «Мини-Моне». Его работы впервые появились на выставках, когда юному художнику было всего шесть лет, а сегодня картины Кирона стоят по 2 миллиона фунтов стерлингов.

“Он был простым, обычным маленьким мальчиком, а затем в одно мгновение оказался в центре внимания”, — вспоминает его отец, Кит (Keith Williamson). — “Все просто сошли с ума”.

История началась с того, что во время семейного отдыха в Корнуолле, Кирон, которому было всего пять лет, увидел как рисует его старшая сестра и попросил дать ему этюдник и карандаши. “Я никогда ничего не рисовал раньше”, — вспоминает мальчик, — “но я влюбился в рисование сразу”. Работы оказались настолько удачными, что для них было выделено немного места в деревенской галерее. “С этого всё и началось. Я даже не думал о том, чтобы продать какую-либо из моих работ, мне просто нравилось рисовать”, — продолжает он. — “Я был поражён тем, что многие захотели купить мои картины”.

Успех пришёл к гениальному мальчику быстро, буквально за несколько лет сделав его миллионером. Сегодня, по словам отца, его картины стоят «сумасшедшие» деньги. “Мы с удивлением обнаружили, и это очень странно на первый взгляд, но несмотря на все заработанные деньги за эти годы, он не заинтересован в покупке что-либо. Он совсем не увлекается компьютерными играми. Он или играет в любимый футбол, или слушает музыку, в то время, когда рисует”.

Ключом к своему успеху Кирон считает упорство: он создает сотни картин каждый год (хотя только две из них висят в доме его родителей). “Я заставляю себя, стараюсь соответствовать собственным стандартам”. Но не только слава и успех обрушились на Кирона, он и его семья быстро стали объектами жесткой критики. Пока скептики принялись под микроскопом изучать его картины, общественность стала слишком явно осуждать его родителей за огромные заработки сына.

Дальнейшие перспективы «Мини-Моне» выглядят достаточно убедительно, хотя он любит развлекать себя мыслями о том, чем бы стал заниматься, если бы так и не взял в руки кисточку. “Играл бы в футбол или катался на велосипеде”, — смеётся Кирон. Родители питают более амбициозные надежды на будущее. “Я хотел бы, чтобы его знали как одного из великих художников”, — размышляет Кит Уильямсон. — “Возможно, что я уже не увижу этого при жизни, но я надеюсь, что он увидит”.

@exponat

Лаокоон с сыновьями.

Агесандр, Полидор и Афинодор, художники, сделавшие величественную скульптуру, изображающую Лаокоона и его сыновей, принадлежали к родосской школе. Упоминаемый в мифах о Троянской войне жрец Лаокоон, занимающий центр группы, и два его юноши-сына обвиты двумя огромными змеями, и испытывают смертельные мучения. «Все в этой группе исполнено мастерски, – говорит искусствовед Шназе. – Пирамидальное расположение фигур, линий, характеристика трех фазисов одного чувства в трех фигурах, красота, превосходная техника в изображении форм тела, а в особенности трогательное благородство выражения ужасной боли, – все это заслуживает величайшего удивления. Скульптурную группу Лаокоона справедливо называют трагедиею в трех актах. Средний акт изображается фигурой отца, в которой энергия и пафос достигают высочайшей степени. Мускулы сильного тела напряглись от боли, грудь поднялась от трудности дышать; живот втянулся от усилия, с которым вырывается жалоба из раскрытого рта. Но в страшном мучении тела, дух Лаокоона сохраняет твердость, сдерживает выражение боли; скорбь о страдании детей уменьшает в отце ощущение собственного страдания. Лаокоон произносит жалобу, но не кричит; на его лице легкое выражение негодования, упрека за незаслуженное наказание; по морщинам лба видно, что сила души еще борется с физическою болью. Скульптура Лаокоона – глубоко прочувствованное, благородное создание искусства. Но она не свободна от [свойственного искусству эпохи эллинизма] стремления к эффекту, к театральности; в ней заметно намерение художников выказать свои психологические и анатомические знания. И слишком большая роль в возбуждении нашего сочувствия дана физической муке».
Лаокоон – последний предсмертный дар греческого искусства, умирающего, но еще сохраняющего полное сознание своих великих душевных сил, жертва, которую оно приносит эллинскому народу близкому к утрате своей национальности.

Бронзовый оригинал скульптуры Лаокоона был сделан на рубеже III-II вв. до Р. Х. в Пергаме и не дошёл до нашего времени. Всем известная статуя, установленная сейчас в одном из ватиканских музеев, – мраморная копия второй половины I века до Р. Х., откопанная в 1506 году на месте знаменитого Золотого дворца императора Нерона. Находку сразу же осмотрели архитектор Джулиано да Сангалло и скульптор Микеланджело Буонарроти. Они пришли к выводу, что она – та прославленная и в древности работа, о которой упоминается у Плиния.

Папа Юлий II приказал установить скульптуру Лаокоона в ватиканском Бельведере. Её мастерская композиция восторгала художников эпохи маньеризма.

Известный просветительский писатель Лессинг написал об этой скульптуре работу «Лаокоон, или О границах живописи и поэзии».

В июле 1798 года скульптурную группу Лаокоона увезли во Францию: занимавшийся методичным грабежом итальянских художественных сокровищ Бонапарт взял её с побеждённого папы как контрибуцию. После низвержения Наполеона Лаокоон был возвращён в Рим.

Русский музей открыл большую выставку Кандинского

Где показал, насколько тесно его искусство связано с русским народным.

Выставка «Кандинский и Россия» занимает шесть залов анфилады в Корпусе Бенуа. Такого масштабного показа искусства Кандинского не было в нашей стране уже много лет, с ретроспективы 1989 г., поэтому нынешняя выставка служит ответом Русского музея на 150-ю годовщину со дня рождения художника. Произведения на ней собраны со всей страны: помимо музейных и частных собраний двух столиц это еще полтора десятка российских музеев от Астрахани до Владивостока – хранящиеся там работы можно увидеть не так часто. Не приехала только большая «Композиция № 7» из Третьяковской галереи, недавно составлявшая пару с эрмитажной картиной художника на выставках в Москве и Петербурге.

Идея «Кандинского и России» проста: она о связи художника с национальными корнями и плотном погружении его творчества в художественный контекст. Народное искусство любили все авангардисты, и если на французов повлияли африканские маски и полинезийская скульптура, то русским не было нужды отправляться далеко за море – сокровища были рядом. Влияние изобразительного фольклора на молодых русских футуристов в 1910-е гг. изучено настолько хорошо, что на место Кандинского в названии выставки можно так же справедливо подставить имена Ларионова или Гончаровой, Филонова или Малевича. Все они восторгались лубками, народной иконой, живописной вывеской, едва понятыми как художественная ценность, и переносили в свое искусство открытый локальный цвет, экспрессивную выразительность характеров, своевольную художественную логику анонимных мастеров. Кандинский первым осознал самоценность цвета, которая как наивный символизм всегда существовала в языке народного искусства, где краски бывают настолько закреплены за предметами, что становятся их значением.

Кандинский до сих пор актуален: легко представить выставку к его юбилею, сделанную каким-нибудь западным куратором и устремленную вперед – скажем, рассказывающую о влиянии этого художника на сферу современного дизайна. Но отечественные музейщики (автор вступительной статьи в каталоге выставки Александр Круглов) по-прежнему находят интерес в сюжетах прошлого и продолжают настаивать на национальной идентификации автора, который принадлежит равно русской и немецкой художественной культуре и является одним из первых интернациональных художников в современном понимании этого слова.

До 21 ноября продлится выставка.

@exponat

Па́мятник Минину и Пожа́рскому

Скульптурная группа из латуни и меди, созданная Иваном Мартосом; расположена перед Собором Василия Блаженного на Красной площади.

С предложением начать сбор средств на постройку памятника выступили в 1803 году члены Вольного общества любителей словесности, наук и художеств. Первоначально памятник предполагалось установить в Нижнем Новгороде — городе, где было собрано ополчение.

В 1808 году жители Нижнего Новгорода обратились за Высочайшим соизволением пригласить прочих соотечественников к участию в создании памятника. Предложение было одобрено Императором. который всячески поддерживал идею возведения памятника.

В ноябре 1808 года скульптор Иван Мартос победил в конкурсе на лучший проект памятника, был издан императорский указ о подписке на сбор средств по всей России. Имена подписчиков были напечатаны и обнародованы.

В связи c учётом важности памятника для русской истории было решено установить его в Москве, а в Нижнем Новгороде установить мраморный обелиск в честь Минина и князя Пожарского. Интерес к созданию памятника был и так велик, но после Отечественной войны он ещё более возрос. Граждане России видели в этой скульптуре символ победы.

@exponat

Мифологический демон "Меченный"

Бактрия.
Конец II – начало III тысячелетия до н.э.

Лувр. Крыло Ришелье, цокольный этаж (-1). Искусство Древнего Востока (Иран и Бактрия). Зал №9.

Древние артефакты традиционно привлекают к себе меньше внимания, чем творения великих художников и скульпторов. Рассматривать множество маленьких экспонатов, а часто и вовсе фрагментов чего-либо, считается уделом "фанатов. А уж заметить в витринах крыла Ришелье площадью 22 тысячи квадратных метров маленькую, высотой чуть меньше 12 сантиментов, статуэтку на бегу просто невозможно. Этот "железный человечек" родом из Бактрии и ему более 5-ти тысяч лет (датирован концом II – началом III тысячелетия до н.э.). Бактрия — государство, основанное греками после завоевательных походов Александра Македонского в районе Северного Афганистана в конце III – начале IV тысячелетий до нашей эры. На сегодняшний день найдено всего четыре полностью сохранившихся таких статуэтки, одну из них Лувр приобрел в 1961 году. Предполагается, что найдены они в Иране, неподалеку от города Шираз. Кого изображает скульптура, доподлинно неизвестно, ученые окрестили этот загадочный персонаж "Меченным": его лицо изуродовано длинным шрамом. По мнению исследователей, шрам символизировал какое-то ритуальное, деструктивное действие. Прикрытое короткой набедренной повязкой туловище покрыто змеиной чешуей и подчеркивает змееподобный характер персонажа. Это позволяет предполагать, что так изображали антропоморфного демона-дракона, которому поклонялись в Азии. Кто такие эти "меченные", остается только гадать, видимо они олицетворяли духов, возможно добрых, возможно злых.

@exponat