​​На написание вокальной поэмы «Петербург» у Георгия Свиридова ушло около двадцати лет. Она была завершена лишь в конце XX века – в 1995 году. Произведение композитора основано на стихотворениях Александра Блока, написанных в период с 1901 по 1914 год. Поэзия Блока затрагивает одну из самых поразительных эпох в русской истории: начиная с трагических событий революции 1905 года и заканчивая мировой войной, переломившей судьбу России и Европы.

Первые пятнадцать лет ХХ века – это время рассвета отечественной культуры и экономики. Здесь берет начало «Серебряный век» русской поэзии, музыки, живописи, архитектуры, философии и  меценатства... Это время было раздавлено, сметено мировой войной и революцией 1917 года. Поэзия Блока, по своему настроению и эмоциональному тону, полна предчувствий этих катастроф. Не зря Свиридов на закате противоречивого столетия обращается к переосмыслению творчества великого русского поэта. В поэме «Петербург» он словно пересматривает историю и делает выводы уже на руинах бывшей империи. Свиридов, работая над поэмой, подобно Блоку, ухватив нерв его поэзии, предсказал закат существующего мира и оставил нас наедине с чувством тревоги перед новым временем.

Название поэмы Свиридова связывает сочинение и с романом Андрея Белого «Петербург». Это одно из последних литературных произведений, где сконцентрированы почти все основные мотивы петербургского мифа, – своеобразное сочетание любви и ненависти к великому городу. Стихотворения Блока подобраны таким образом, чтобы вобрать в себя две важнейшие для творчества поэта темы, а именно тему прекрасной дамы и тему апокалипсиса. #Свиридов

​​Что-то давно не было у нас «Лунной» сонаты:) Шедевр как-никак. Понимаю, ее все слышали, но хочется поделиться своим любимым и довольно нестандартным исполнением оной. Из под пальцев Гленна Гульда это произведение начинает звучать совершенно иначе, появляется какой-то модернистский драйв. Одни скажут, что Бетховен в его интерпретации – это издевательство, но другие определенно оценят эту драйвовую динамику великого шедевра. #Бетховен

​​Фредерик Шопен написал свои Trois Nouvelles Études («Три новых этюда») для фортепиано в 1839 году, в качестве вклада в книгу-инструкцию по игре на фортепиано Méthode des méthodes de piano Игнаца Мошелеса и Франсуа-Жозефа Фети. Так как эти этюды не обозначены опусом, их часто ошибочно называют посмертными. Пожалуй, самый популярный из них первый, написанный в фа-миноре. Он обладает превосходным гармоническим и структурным балансом, а также техническим блеском. Изумительно поэтичное и музыкальное решение в помощь освоения пианистами трудности исполнения «три на четыре» (три ноты в одной руке против четырех нот в другой руке на одну единицу времени).

​​Отец Паганини сказал ему: «Мне твоя музыка не нравится, но ее любит публика, поэтому я буду заставлять тебя заниматься все больше и больше, чтобы ты в конце концов стал богатым человеком и обеспечил своему отцу богатую старость».
– Но, папа – сказал Паганини!..
– Молчи! – резко бросил ему отец...
– Я устал... – сквозь слезы пробормотал Никколо.
– Никакой усталости! – грубо смеясь, отвечал ему отец, – ха-ха-ха!... только труд, только труд... маленький бездельник! Я тебе покажу, как перечить отцу! – И ударил его указкой по рукам. Так он делал всегда, когда Паганини начинал плакать и жаловаться на усталость.
– Вспомни Моцарта! Вспомни Моцарта! – кричал отец, ударяя его по рукам и ногам.

...На концерте Никколо Паганини были Шуман, Шопен, Берлиоз... После посещения этого концерта, они стали романтиками. Они перестали зависеть от всего, что только могло связывать человека, его возможности и силы.

– Дьявол!... Дьявол!.. – шептались в толпе после концерта, когда Никколо выходил облаченный в черную одежду подчеркивавшую и без того его бледное лицо и худобу... Он проходил, довольно ухмыляясь, вниз опустив глаза. Он знал, что его смычок, еще и не то может.
Он садился в карету и уезжал... В темноту, туман... #Чтение

​​А вот очень интересная пластинка известного советского мистификатора Владимира Вавилова – «Лютневая музыка XVI-XVII веков».

В 1970 году Вавилов записал лютневую музыку, приписанную разным музыкальным деятелям далекого прошлого. Среди произведений значилась «Канцона и танец», приписанная Вавиловым композитору Франческо да Милано. Первая ее часть позже стала мелодией известной песни на слова Анри Волохонского «Рай», известной также под названием «Город золотой». Другая композиция, с той же пластинки, «Павана и гальярда», автором которой был указан Винченцо Галилей, стала мелодией другой песни на слова Анри Волохонского – «Конь унёс любимого». Ну и конечно, знаменитая «Аве Мария», приписанная Дж. Каччини. По мнению исследователей, подлинным автором «Канцоны», «Аве Марии» и большинства других пьес на пластинке был сам Вавилов.

Со стороны автора понятен такой ход, так как издать в советское время музыку собственного сочинения было не так просто, чего не сказать о якобы забытых произведениях для лютни композиторов прошлого. В общем слушайте. Это действительно легендарная вещь. #Вавилов

​В декабре 2020-го года исполнится 250 лет со дня рождения Людвига ван Бетховена.

Вот вам 5 неожиданных фактов, связанных с композитором:

🎼 В родном городе Бетховена Бонне не хотели скидываться на его памятник. В итоге ппомог Ференц Лист. Так на Мюнстерплац в 1845 году появился бронзовый монумент с крайне мрачным выражением лица. Что не удивительно, ведь скульптор Эрнст Хенель взял за образец посмертную маску композитора;

🎼 Современный скульптор Оттмар Хёрл решил пересмотреть образ угрюмого Бетховена и в прошлом году на этой же площади поставил множество небольших улыбающихся ффигурок композитора. Проект называется «Unser Ludwig. Bürger für Beethoven»;

🎼 В третьем сезоне культового сериала «Твин Пикс» Дэвид Линч сильно замедлил сонату для ффортепиано № 14 до-диез минор, ор. 27, № 2, изменив мелодию до неузнаваемости;

🎼 Бетховен был большим поклонником кофе и всегда собственноручно отсчитывал 60 (64, согласно некоторым источникам) идеальных зёрен на свою утреннюю чашку.
Как-то он осведомился у своего секретаря Антона Шиндлера: «Как насчёт чашечки кофе прежде чем выйдешь вон отсюда?».

​​Чтобы убедиться в том, что Иоганнес Брамс ушел намного дальше своей тени – Бетховена, достаточно послушать его виолончельные сонаты, особое внимание обратите на первую (ми-минор, соч. 38). Мне кажется, эта вещь больше характерна для поздних романтиков, скажем в этой мелодии узнаются Элгар и Барток, а смотришь на композитора и удивляешься. Боже! Это же Брамс! Это середина XIX века!

Знаете, есть мнение, что романтики изобрели природу. В их произведениях она особенно ярко и откровенно служила музой для создания музыкальных шедевров. Вспомните Бартока, который любил сочинять музыку в разгар лета, лежа обнаженным на солнце, чтобы чувствовать физический контакт со вселенной. Соната Брамса идеально отражает этот контакт.

В 1866 году композитор проводит два летних месяца на берегу озера Тун в Швейцарии. Там он находил тишину и очарование нетронутой природой, что и стало вдохновением для столь необычной, я бы сказал модернисткой сонаты. Конечно, это не только воплощение натуры земли, но и личные переживания автора. Соната современна «немецкому реквиему», где он оплакивал свою мать и второму секстету для струнных, в котором, по словам самого Брамса, он изгнал страсть к Агате фон Зибольд, единственной женщине среди тех, кого он любил и на которой чуть не женился. В этот же насыщенный период жизни рождается и первая виолончельная соната. Мы понимаем важность этой работы как для жизни композитора, так и для его творческого развития.

Интересный факт, что в сонате отсутствует медленная часть, так уж Брамс хотел подчеркнуть, что это радостное произведение, своего рода возвышенный гимн во славу природы. Финальная третья часть, подобно вечному двигателю, вечному циклу возрождения, отсылает нас к контрапункту № 13 из «Искусства фуги» И. С. Баха. Все это делает сонату Иоганнеса Брамса невероятно насыщенным и эмоциональным произведением, которое нельзя пропустить мимо себя. #Брамс

​​Многие сойдутся во мнении, что третий фортепианный концерт Бетховена – одна из лучших его работ. Сам Бетховен в письме издателю кокетливо намекал, что «...лучшие концерты я придерживаю для себя». Действительно, это самое важное и необычайно красивое произведение в творчестве композитора.

Произведение Бетховена по настроению очень близко к 24-му фортепианному концерту Моцарта. Это ощущается не только в серьезности произведения, но и во взаимодействии между его основными тональностями. Во всем теле мелодии узнается вольнолюбивый, слегка мрачный нрав Бетховена. Я бы сказал, что этот концерт представляет из себя творческий диалог Бетховена и Моцарта. Здесь композитор словно переосмысливает идеи Моцарта уже в более романтическом, личном ключе. В мелодии концерта чувствуется некий трепет перед судьбой, который позже в полной мере выразится в знаменитой Пятой симфонии. Не зря Бетховен задумал оную вскоре после первого исполнения третьего концерта. В ударах литавры, слышимые сразу после каденции первой части, можно услышать тот самый «судьбоносный» мотив. Безусловно, финал первой части – самый яркий момент во всем концерте. Сам Бетховен в партитуре оставил заметку пианисту: «Немедленно атаковать музыку, следующую за трелью каденции». Такой он, характер Бетховена, – атакующий, дерзкий и смелый. И именно здесь эти черты выразились наиболее смело.

Согласно некоторым исследованиям, Бетховен начал работу над концертом в конце 1790-х годов, а полную партитуру закончил в 1800 году. Это мощнейшее произведение было написано двадцатилетним Бетховеном, и тогда же оно сыскало популярность у зрителей и восхищение критиков. #Бетховен

​​Публикуем цикл лекций об истории классической музыки, начиная со средневековья, заканчивая модернизмом. Краткие, понятные и интересные передачи, которые помогут понять принципы развития музыки и искусства в целом. #Лекции

​​Многие рекомендуют слушать И. С. Баха в интерпретации Гленна Гульда. Говорят, что он наиболее близко подобрался к замыслу великого композитора и сумел своей механической манерой исполнения приблизиться к математической сути его клавирных произведений. Слушайте и решайте, мы же публикуем самое известное, вероятно лучшее исполнение Хорошо темперированного клавира. #Бах

​​«Это открытие, настоящая жемчужина камерной музыки, даже если фортепиано играет доминирующую роль...» – так отозвался Гидон Кремер о фортепианном трио Шопена (op. 8). Ну, а как еще может быть у Фредерика? Конечно, даже в камерной форме фортепиано будет превалировать над другими инструментами. Со времен Бетховена клавишный инструмент претерпел значительные технические усовершенствования, чем успешно пользовался Фредерик Шопен в своем творчестве. Ни одно его произведение не мыслится без фортепиано.

Ференц Лист отмечал, что для прослушивания музыки Шопена не нужно постигать его личность, проникать в глубины его души и психики. Его аристократическая элегантность не призвана передавать мрачное настроение. Эта мысль созвучна фортепианному трио соль-минор. Но все же нельзя полноценно согласиться с Листом относительно остального творчества польского гения. Хоть Шопен и не мрачен, но в какой-то степени он холоден и меланхоличен. Он не всегда положителен в своих музыкальных размышлениях. Дабы уйти от «печальной стороны Шопена», взглянуть на его творчество иначе – стоит послушать фортепианное трио соль-минор.

В данном произведении есть завеса тихой меланхолии, она привлекает беззаботной грацией, не становясь показной. Шопен обладает каким-то особым чувством проникновенности, воздушности, где ни одно чувство не вырывается наружу, а все витает где-то в общем небосводе настроений западной музыки первой половины XIX века.

Фортепианное трио полно юношеских переживаний, в нем нет той тяжести, спрятанной боли и тоски. Нет чувств, присущих поздним произведениям мастера. Это безусловно легкое, грациозное сочинение, написанное впечатлительным юношей, вдохновленным музыкой Бетховена. Изначально Шопен использует в структуре произведения четырехчастную модель австрийского классика с указанием темпа Allegro con fuoco, за которыми следует скерцо, адажио и финал в форме рондо. Но энергичные, напористые пианистические жесты, их лаконичность и элегантность – предвосхищают более зрелого Шопена. Конечно, в данном сочинении не вся роль ложится на плечи фортепиано. Скрипка и виолончель здесь также образуют свои лирические линии, из которых многократно возникают интересные полифонические структуры. #Шопен

​​Концерт для скрипки с оркестром Бетховена – единственное в этом направлении произведение композитора. Как и многое у автора, он является венцом жанра. Это ясная работа, которая поражает своей глубиной. Ее темы обладают красотой, которую сложно выразить словами. Надо просто слушать. Интересно, что несмотря на крупные скрипичные сочинения того же Моцарта, концерт Бетховена – первая, действительно великая вещь для своего времени.

Обратите внимание на самое начало. Вы услышите мотивы знаменитой «темы судьбы», которая присуща более поздним откровениям автора. Оркестровая партия «давит» солирующий инструмент, подчеркивая безвластие человека перед роком. Бетховен отказывает здесь солисту в возможности самовыражения. Тем не менее, он же избегает подлинного конфликта. В концерте нет ярких контрастов между основной и побочной темами. Даже в моменты развития мелодии, ее тематические преобразования больше углубляют задумчивые настроения, нежели поднимают напряжение. Это важнейший момент. Гармония солиста и оркестра, существующая в едином синтезе, – скорее обращение к Богу. Философское размышление на тему взаимоотношений человеческого и божественного начал.

Вторая часть концерта – одно из самых красивых музыкальных откровений в принципе. Пожалуй, именно в ней сольный инструмент обретает отдельную тему, хотя и в несколько  отстраненном от оркестровой партии виде. Кстати, именно такой прием, где оркестр доминирует над солистом, в свое время вызвал много критики. Рецензенты постоянно жаловались, что оркестр имеет слишком большой вес, а сольная партия недостаточно виртуозна. Лишь после смерти автора, в 1840-х годах, концерт Бетховена стал завоевывать признание публики.

Скрипичный концерт Бетховена можно отнести к симфонической работе. Первая масштабная часть, где скрипка лишь сопровождает и украшает оркестровую партию, пожалуй, самая длинная часть любого подобного концерта. Лишь во второй и третьей частях, солист обретает некую независимость от оркестра. #Бетховен