Существуют две «Пиковые дамы». Одна принадлежит Пушкину, вторая – Чайковскому. Для воплощения своего музыкального замысла, где требовалось выразить высшую силу любви, борьбу с судьбой и богатые лирические образы героев, композитору не подходил литературный источник. Поэтому действие оперы переносится в другое время, а действующим лицам прописывают иные характеры и мотивы. В музыкальном плане это типичные для Петра Ильича темы состязания высоких материй и вездесущего рока. В какой-то степени это и плачь по музыкальному классицизму, который, будто с ностальгией вспоминает автор, ведь во многом в опере идет заимствование мелодических гармоний XVIII века. Главная мысль, которая есть, пожалуй, в каждом произведении Чайковского, преследует нас и тут. Надежда на счастье приходит со смертью. Лишь после финального грома аккордов, который знаменует погибель, начинают играть благородные темы любви, открывающие путь к свету. Словно жизнь – есть нескончаемая борьба, исход которой предопределен. Благополучие, по мнению Чайковского, видимо, возможно лишь в загробной обители, поэтому герои, да и слушатели, в развязке как бы возносятся вместе с музыкой к высшим субстанциям, недоступным земной юдоли, – наступает тот самый катарсис. Почему-то лишь в творческом итоге Чайковского, его последнем опусе – Шестой симфонии – жизнь обрывается без всякой надежды на продолжение… #Чайковский

Восьмую симфонию Дворжака можно отнести к золотому фонду музыкального романтизма. И действительно, при прослушивании понимаешь, что это высшее проявление искусства. Героизм, любовь, торжество – все это гармонирует друг с другом, создавая прекрасные образы чешской природы. Но у музыки все-таки нет национальности, поэтому это красота мира, со своими естественными противоречиями, где есть деятельность человека, а есть процессы, независимые от него. В этом вечном конфликте пребывает душа романтика, которая погружена в думы об устройстве мироздания и блуждает в поисках Бога. Высшие вопросы – рождают великое искусство, такое, как это произведение. #Дворжак

«Stabat Mater» Перголези – самое скорбное сочинение галантного века. Это не просто музыкальное осмысление средневековой секвенции, но и творческий итог композитора, который до последних дней вносил поправки в свою партитуру. С точки зрения музыки, это похоже на попытку постичь и увековечить свою скорбную сторону жизни. Есть легенда, что Перголези, потеряв свою возлюбленную, – погрузился в глубокие горестные мысли, которые пытался выразить в «Stabat Mater», но так и не доведя нотный лист до идеала – скончался. Музыка даст прочувствовать, что траур – неотъемлемая часть жизни, без которой невозможна человечность, миролюбие и сострадание. Первая секвенция начинается со слов «Стояла мать скорбящая, возле креста в слезах…», по ощущениям – это скорее плачь Перголези у могилы то ли возлюбленной, то ли каких-то собственных идеалов. По творческому и психологическому темпераменту, произведение предопределяет эпоху романтизма, видимо поэтому такие гении как Верди, Шуберт, Дворжак обращались к собственному осмыслению Stabat Mater. #Перголези

Седьмую симфонию Бетховена, можно охарактеризовать как видение 1812 года. Это довольно простое для восприятия произведение, полностью посвященное героизму народа и его силе духа. Даже в траурной части – сплоченность и непоколебимость характеров побеждают, выталкивают смерть, даруя своим героям вечное существование в выгравированных нотах монументальной партитуры. В симфонии слышны элементы романтической музыки, не зря интонации Седьмой можно услышать в «Смерть Озе» Э. Грига или в песне «Смерть и девушка» Шуберта. Если кратко, то это ограненный алмаз немецкой народной песни, открывающий окно в безграничную юдоль романтизма. Конечно, в эпоху Бетховена это была ода массовым пляскам на улицах и площадях революционных французских городов. Но время одолело войны, полководцев и их последователей. Осталась лишь музыка, которая сегодня сближает народы всего мира. #Бетховен

Сегодня послушаем жемчужину музыкальной культуры – Пятый концерт Чарльза Эйвисона, представителя английского барокко. Прекрасное произведение, которое почему-то мало кому известно. По стилю можно подумать, что пишет итальянец, оно и верно – ведь цикл его концертов, состоящий из 12 шт., написан по сонатам Доменико Скарлатти, но в самой мелодии все-таки чувствуется немножко зябкий и дождливый дух старой Англии. Жители Санкт-Петербурга особенно это прочувствуют. Прикрепляем две интерпретации, которые в очередной раз доказывают, как важно в классической музыке исполнение, и как от оркестра к оркестру отличается звук произведения. В общем-то различие в исполнении символизирует как противоречивую эпоху барокко, так и противоречивую погоду Италии и Англии. В одном случае – это динамичное, яркое торжество солнца, во втором – меланхоличное пасмурное небо. #Эйвисон

Оратория «Христос на Масличной горе» - малоизвестный опус великого Бетховена. Акцент здесь делается на человечность, страдания и сомнения, оттого сочинение перекликается с музыкальными характерами Моцарта и Гайдна. Особенно прекрасно вступление и чисто бетховеновский финал. Оратория завершается хором воинов, берущих Христа под стражу, но за этим следует еще большой ангельский хор, причем не скорбящий или ужасающийся, а славящий спасение мира с настроением коронационной торжественности и ликования. И конечно, это уже больше похоже на близкую композитору тему народного восстания и сплоченности, нежели на религиозную историю. #Бетховен

Мендельсон с молодых лет писал прекрасную музыку, в чем-то немного наивную, но главное – искреннюю. Именно легкость его музыкального языка сохранила имя композитора в веках. Один из шедевров, который мы послушаем, – Увертюра «Сон в летнюю ночь». Написал ее Мендельсон в 17 лет, впечатленный сказочным сюжетом Шекспира. С точки зрения музыкальной иллюстрации все просто: волшебная ночь на Ивана Купалу, заколдованный лес с эльфами и феями. Но куда важнее психологическая составляющая. Увертюру называют переходом Мендельсона из юношеского в зрелый композиторский период. Действительно, в начале чувствуется настроение незатейливой юности и озорства. Позже начинают звучать темы конфликта, где беззаботность поглощают серьезные мотивы судьбы. К финалу происходит перелом, и Мендельсон словно прощается со своей юностью, обретая некую меланхолическую зрелость.  #Мендельсон

С первых нот Третья симфония Брукнера поражает своим драматическим масштабом, где большое внимание уделяется осмыслению траура. Брукнер, конечно, сам по себе «траурный» композитор. Он как никто другой сумел осмыслить эту тему наиболее глубоко и искренне. Именно в его музыкальных откровениях стихии трагедии всегда сплетаются с добрыми воспоминаниями и светлой лирикой, которые противостоят внутреннему мраку. Вторая часть симфонии – ключ к пониманию музыкального замысла. В нежном адажио отразились воспоминания об ушедшей матери композитора. Здесь память о любимом человеке побеждает печаль и патетическое горе. Весь конфликт симфонии – борьба душевного гнета и человеческого мужества. #Брукнер

«Фуга» из диптиха «Прелюд. Фуга». М. Чюрленис. 1908. Символизм. 62,2 x 72,6 см. Темпера, Бумага

Особенность творчества Микалоюса Чюрлёниса заключается в том, что в его исполнении живопись и музыка сливаются в единое целое, именно поэтому картины раскрывают музыкальные секреты, а музыка рисует нам красочные пейзажи. Обратите внимание на полотно «Фуга» (см. выше) – это пример синтеза искусств, с помощью символов мы познаем глубину как музыкального, так и художественного произведения. Чередование одинаковых или подобных друг другу элементов, расположенных на нескольких уровнях, напоминает мелодическое движение. Также на картине видны особенности построения полифонической формы – фуги. Благодаря Чюрленису мы ее видим! По сути это визуализация божественного начала, которое в нотах спрятано, например, у И. С. Баха… Кстати, современный человек сможет увидеть тут еще и аудиодорожку. Так что сегодня для вас такое необычное произведение, и не будем спорить – музыкальное. #Чюрленис