Ранее мы уже писали о том, как слушать классическую музыку, сегодня же решили дать несколько рекомендаций о том, как ее понимать. #Чтение

​​Пожалуй, главное произведение Ферруччо Бузони – его фортепианный концерт. Во-первых, это невероятно сложное для исполнения сочинение, во-вторых, самое масштабное в этом жанре. К сожалению, фигура Бузони остается в тени, мало кто сегодня исполняет его произведения. Из-за высокой требовательности концерта к исполнителю его редко можно услышать вживую, а потому он не на слуху; но все-таки эта музыка и ее фактура гениальны и определенно достойны большего внимания со стороны публики. В основу концерта Бузони ставит концепцию музыки, которая существует обособленно от всего остального, это мелодия, освобожденная от всех миражей сюжетного полотна литературы и живописи.

В традициях фортепианного концерта структура произведения строится обычно на взаимодействии фортепиано и оркестра, где одно доминирует над другим. Например, основная мысль может быть раскрыта фортепианной партией (концерты Моцарта, Шопена), а оркестр выступает в качестве фона. Или же наоборот, доминанта отдана оркестру, аккомпанируют которому клавишные (концерты Бетховена, Чайковского). Бузони же уходит от такой структуры и ведет фортепианную и оркестровую партии параллельно друг другу, как бы делая их равными, за счет этого создается яркий музыкальный конфликт. Главная идея такого подхода – в освобождении музыки от оков традиций. Целью композитора было извлечь «новый звук», это особенно интересно в контексте творчества Бузони, который в своих произведениях все же обычно ближе к позднему романтизму, нежели новаторству.

Если оркестровая партия концерта создает некую цельную картину, то фортепианная – очень разнообразна и за счет этого несколько тяжела. Этот прием исполнителя-виртуоза Бузони можно интерпретировать как личные переживания конфликта «вечного» и «бренного». Наверное, именно поэтому в качестве финала произведения, чтобы «утихомирить жизнь», были выбраны заключительные строчки из поэмы Эленшлегера «Аладдин», где главный герой, подобно Фаусту Гёте, находит себя. Хотя сам Бузони был больше озадачен выводом формулы идеального звука – абсолютной музыки, нежели поэтическими аллюзиями и метафорической борьбой человека и рока. Однозначно можно сказать, что в своих поисках и стремлении к идеалу, интерпретируя музыку уже больше как математику, он идеально вписался в контекст XX века – века иллюзий, больших надежд и разочарований. #Бузони

​​«Простая симфония» – название говорит само за себя. Это камерное, недлинное произведение Бенджамина Бриттена, созданное в классической манере и отсылающее нас к традициям Гайдна и Моцарта, хотя и написано оно было в первой половине XX века. По настроению и духу «Простая симфония» близка к «Классической» Сергея Прокофьева.

Например, Михаил Казиник называет симфонию юмористической, видимо по той причине, что этакий озорной мотив «пам-пам» проходит сквозь всю структуру произведения. Не знаю насколько сегодня такая музыка воспринимается с комической точки зрения, но однозначно, благодаря своей простоте она поднимает настроение, а легкость и воздушность ее музыкальных образов – увлекают.

Самым интересным фрагментом, пожалуй, является третья часть – сентиментальная сарабанда. Здесь можно проследить юмористическую и, я бы сказал, ребяческую задумку. Сарабанда – это либо музыка для эротического танца, либо для похоронной процессии. Такова история танца. Изначально сарабанда в Испании исполнялась под удары барабана, и движения танцующих под эти ритмы были довольно озорными. В католических традициях это не приветствовалось (музыка в то время, так или иначе, служила церкви) и произошло переосмысление танца в сторону траурных церемоний, дабы снизить его популярность. А вот у Бриттена сарабанда  получилась и не эротическая, и не траурная, – она сентиментальная.

В общем слушайте. Простая симфония – это настоящая жемчужина английской музыки XX века. #Бриттен

​​Забытые произведения. Так я бы назвал две симфонии Шарля Гуно, которые не сыскали известности как у современников композитора, так и у сегодняшних слушателей. Во-первых, в середине XIX века жанр симфонии во Франции был малоинтересен, во-вторых, Гуно не привнес в них ничего нового. Можно смело сказать, что они остались в тени Бетховена, а как известно, в контексте того времени, Бетховен – последний великий композитор. Конечно, чуть позже Брамс разрушит эту, казалось бы, непробиваемую бетховенскую стену, но это уже совсем другая история...

Первая симфония – типовая работа молодого композитора послебетховенской эпохи, написанная в классической традиции симфоний Гайдна и Моцарта. Легкая, изящная, светлая – все эти слова применимы и здесь. Насколько сегодня эта музыка увлекательна, особенно для искушенных слушателей, мне сказать сложно, но для эмоциональной разгрузки она хорошо подойдет. Также в симфонии чувствуется энергия и дух юности, какая-то авантюрность и ловкость, соответствующая детскому нраву, оттого она легко будет воспринята подрастающими ценителям классики.

Поскольку Шарль Гуно известен, прежде всего, как оперный композитор, то имеет смысл рассмотреть симфонию и с точки зрения драматургических принципов, так как театральные приемы в построении произведения тоже присутствуют. Например, резкое вступление скрипок в начале – это открытие занавеса, основная тема, строящаяся на простых гармониях – это появление героя, далее будет лирический фрагмент, символизирующий появление возлюбленной... И мы даже не замечаем, как сами становимся вовлеченными в непростые  драматургические процессы произведения.

Вторая симфония уже намного интереснее с точки зрения музыкальной драматургии, будто бы в этой «симфонической опере» добавилось декораций. Но все-таки, на мой взгляд, произведение довольно вторично из-за сильного подражания Бетховену. Кстати, написана симфония была по наставлению Феликса Мендельсона, отчего в музыке чувствуется и его влияние тоже. Обязательно послушайте фрагмент Larghetto (вторая часть) – это сердце опуса. Здесь же узнаются и будущие работы автора, например, вступительные такты будут использованы в опере «Фауст», а вот лирические мотивы сильно напоминают моменты из оперы «Ромео и Джульетта».

Если бы Шарль Гуно продолжил писать симфонии, то мог бы стать крупнейшим симфонистом, но, видимо, идти дальше Бетховена в планы композитора не входило, поэтому в этом жанре он остановился на второй. И надо сказать – сделал это уверенно. #Гуно

Небольшое размышление на тему: так ли необходимо слушать классическую музыку исключительно в живом исполнении?  #Чтение

​​Когда речь заходит о первых симфониях, то мы обычно их рассматриваем с точки зрения пробы пера. Рассуждаем о том, что в каких-то мотивах узнается, например, титан Бетховена, а кто-то наоборот не может выйти из под тени великих. Да и много ли действительно хороших первых симфоний, со зрелым и убедительным звучанием? Одна из таких – Первая симфония Сибелиуса. Это мощное уверенное высказывание большого мастера. С первых тактов узнается характер финского симфониста, внутреннее состояние которого полностью соответствует суровому северному климату.

По некоторым источникам, первая симфония произошла из задуманной композитором симфонической поэмы о северной сосне, мечтающей о южной пальме. И хотя в итоге симфония лишена программы, эта метафоричность в ней осталась, но уже больше как мечта о независимости. Особенно ярко, подобно гимну, эти темы проявляюся в первой части. Она – сердце произведения, где утверждается гений, вознесший музыку Финляндии на Олимп симфонического искусства. Это просто нужно слушать.

«Я не знаю никого из композиторов, кто мог бы сделать это так хорошо, как это сделал он, – говорит музыкальный руководитель и дирижер оркестра в Сан Диего Яхья Лин. – Это революционный прорыв к будущим формам музыки, и после Берлиоза никто не написал своей первой симфонии так выразительно, как он. Я не знаю никого из композиторов, кто мог бы это сделать лучше». #Сибелиус

Вчерашнее событие во Франции различные СМИ назвали закатом европейской цивилизации. Безусловно, разрушение Собора Парижской Богоматери – это катастрофа для всего христианского мира, но ничто не вечно под Луной. Все пройдет, пройдет и это. Мы же тем временем вспоминаем о музыкальных произведениях, связанных с главной святыней Парижа.

#Чтение #Подборка #Шмидт #Даргомыжский #Бертен #Пуни

Плейлист «Грезы» – это 23 умиротворяющие композиции. Послушайте их перед сном. Музыка настроит вас на мечтательный лад и позволит забыть о проблемах уходящего дня. Легкий меланхолический окрас подборки подскажет, что в суете дня мы упускаем по-настоящему важные моменты жизни, уносящиеся от нас подобно сновидения... Подумайте о главном. Все плохое уйдет. Останется только любовь и истина. #Подборка

​​Жан-Мари Леклер – это «Корелли Франции» – самый известный французский композитор инструментальной музыки, стоящий в одном ряду с такими мастерами Европы, как Вивальди, Гендель, Локателли и Тартини. Его скрипичные сонаты и концерты превосходили по уровню музыкальной выразительности все, что было создано в те годы во Франции. Тем не менее, ошибочно считать, что Леклер первопроходец в жанре скрипичного концерта у себя на Родине. Современники Леклера – Луи Жозеф Франкёр и Жак Обер, сочиняли музыку для скрипки не хуже. Сегодня вряд ли вы сходу сможете отличить уровень мастерства Леклера от его талантливых коллег.

Переломным произведением Леклера считается цикл скрипичных концертов (op. 7), благодаря которым он зарекомендовал себя как виртуоз и величайший композитор своего времени. Первый из них мы сегодня публикуем. Он даст цельное представление о творчестве композитора. А музыка, как и многое в эпохе барокко, довольно однообразная. #Леклер

​​Пятая симфония Прокофьева посвящена, по словам композитора, «величию человеческого духа». Написана она в годы Великой Отечественной войны. Главная ее жанровая особенность – это героико-эпическая направленность, нехарактерная для «военных» произведений тех лет. Пожалуй, это единственное, в контексте советского времени, симфоническое полотно, ощущаемое больше как эпос первой половины XX века, нежели рефлексия на кровавые события. Например, в легендарных сочинениях Дмитрия Шостаковича (Ленинградская симфония, Восьмой струнный квартет и др.) упор делался на глубокие психологические переживания, на поиск человечности в условиях политической борьбы, а также на протест против подавления личности. Пятая симфония Прокофьева по своему нраву все же ближе к пафосным произведениям Бородина (Богатырская симфония) и Глазунова (Пятая симфония), где воспевается героический нрав славянского народа.

Считается, что Пятая – оптимистичное сочинение, полное непоколебимой уверенности в триумфе. Конечно, в какой-то степени Прокофьев выступил в качестве пророка, написав о победе еще в 1944 году, но неверно считать симфонию лишенной трагизма. Ее драматургическая структура похожа на торжественную эпопею. Что-то подобное можно услышать в Траурно-триумфальной симфонии Берлиоза, где трагические мотивы, также как и здесь, звучат триумфально, прославляя таким образом павших воинов. Пятая симфония – это гимн славы, призванный объединить народ у гробницы усопших, надгробный камень которой рвется к небесам, подобно душам тех, кто пал за Родину.

Закончить хочется словами Великого Святослава Рихтера: «Пришел какой-то общий для всех рубеж… и для Прокофьева тоже. Пятая симфония передает его полную внутреннюю зрелость и его взгляд назад. Он оглядывается с высоты на свою жизнь и на все, что было. В этом есть что-то олимпийское… В Пятой симфонии он встает во всю величину своего гения. Вместе с тем там время и история, война, патриотизм, победа… Победа вообще и победа Прокофьева. Тут уж он победил окончательно. Он и раньше всегда побеждал, но тут, как художник, он победил навсегда» #Прокофьев.