Опера Дмитрия Шостаковича «Леди Макбет Мценского уезда», является одним из его самых известных произведений в этом жанре. Рекомендуем ознакомиться, желательно, конечно, в формате видео, ибо музыка отдельно от видеоряда, на мой взгляд, не особо интересна. А вот раскрытие образов повести Лескова Шостаковичем наоборот. Говорят, что композитор в своем произведении несколько переиначил смысл литературного источника, естественно, с поправкой на время, дабы изобличить порочные нравы русского дворянства XIX века. И главной жертвой этих пороков, стала, как ни странно – Катерина Львовна. Я бы все-таки стоял на том, что Шостакович не сколько переосмыслил повесть, сколько всецело ее раскрыл и  правильно понял. Поделиться он решил своим видением, как и полагает композитору, – языком музыки.

Главные темы, поднятые автором, это протест против лжи, лицемерия, жестокости и насилия. В общем-то это идейная максима всего творческого наследия Дмитрия Дмитриевича. Кстати для 30-х годов, когда была сделана первая редакция оперы, она многим казалось слишком откровенной и натуралистичной, в частности Сергею Прокофьеву. Как и многие другие произведения Шостаковича, постановка прошла тернистый путь из череды запретов, цензуры и прочих неприятных, но характерных особенностей страны того периода.

Слушать рекомендуется после ознакомления с литературным источником, дабы можно было понять изменения в либретто, касающиеся, например, очеловеченного образа Катерины Измайловой, которой Шостакович, конечно, сочувствовал. С другой стороны, инверсия смыслов заключается в том, что по Шостаковичу – государственная машина, независимо от того, какой идеологии она придерживается, – делает из людей зверей. И Катерина – это образ народа, который стал жертвой нелюбимой Шостаковичем идеологии красных. #Шостакович

Главный конфликт в творчестве Сибелиуса — это внутренняя борьба с собственными пороками. Особенно убедительно она проявилась в Четвертой симфонии, которую я бы назвал «похмельной», ибо в ней композитор пытался выразить тягости абстинентного состояния, связанного не только с пристрастием к алкоголю, но и с преддверием всеобщей смены парадигмы в культурной, политической и общественной жизни, приближение которой Сибелиус чувствовал своим творческим нутром. Говорить же сегодня мы будем о Пятой симфонии, как о творческом примирении с меняющимся миром, где лирическому герою Сибелиуса не нашлось места.

Пятая симфония – это кульминация конфликта во всем симфоническом цикле классика, где автор вынужденно принимает свое поражение. Триумфальный марш в начале и конце третьей части – это сильнейшее переживание, – катарсис, где болезненное разочарование приводит к просветлению и христианскому смирению, – некой абсолютной победе, невозможной без сопряженного проигрыша. Она же Смерть, примеряющая смертных и открывающая дороги в вечность. В данном случае это падение лирического героя, его изнемогание, символично переданное в поверхностно спокойной второй части, названной композитором «лебединым гимном», где лебеди – скорее ангелы, покидающие небеса. Характерен такой упаднеческий настрой как для Сибелиуса, погрязшего в депрессии и алкоголизме, так и для громогласного XX века, ступающим своим шумом на гортань традиционной лирики романтизма, – музыкального языка на котором писал финский классик.

Если можно так сказать, то Пятая симфония – суицидальное произведение, потому что с таким триумфом смерть, пускай и символическую, не принимал даже Чайковский, известный своим особым отношением к «костлявой». Не зря последующие произведения в этом жанре у Сибелиуса будут носить исключительно упаднический характер, потому что последняя его победа произошла в Пятой. Кульминация отнюдь не позитивная, она трагическая, где автор устраивает триумфальные поминки собственным убеждениям. #Сибелиус

Нордический нуар – наш новый плейлист. В нем мы собрали атмосферную, таинственную музыку сурового Севера, в заснеженном царстве которого нет места солнечным лучам. Где над землей повисла туманная тьма, в которой люди рассказывают невероятные истории о мирах, наполненных мифическими зверями и героическими воинами. Музыка этого плейлиста соблазнит вас своими гипнотическими гармониями и познакомит с разнообразием скандинавского мира, с его меланхолией и неуловимой яростью. Подборка столь драматична, как древние скандинавские саги, но также и захватывающая, как реалистичные скандинавские детективы... #Подборка

Мы с вами насытились масштабами романтической музыки, да сложными гармоническими конструкциями XX века, поэтому «Большая» симфония Франца Шуберта едва ли нас удивит. А в начале XIX века композитор сотворил настоящее чудо – сказал новое слово в симфоническом жанре и предвосхитил целую эпоху. Но вряд ли сам Шуберт об этом знал, ибо при жизни симфония публично не исполнялась, а увидела свет она лишь спустя 10 лет после смерти автора.

На мой взгляд, симфония достаточно затянутая и не держит динамику конфликта, какая есть, например, у Брукнера – преемника этого стиля. Но у Брукнера продолжительность оправдана сюжетом, здесь же повторение одних и тех же тем не открывает слушателям новых границ понимания произведения. Музыкальный тон довольно однороден, а сильных эмоциональных или эпических всплесков не наблюдается. В целом это традиционная работа для эпохи классицизма, просто несколько растянутая в продолжительности. Например, та же «Неоконченная» симфония куда ближе к взглядам романтиков. Если «Неоконченная» симфония углубляется в психологические образы и осмысляет сложные внутренние  конфликты человека, то «Большая» концентрируется на огранках народной танцевальной музыки и описании пейзажей старой Вены. Главная необычность произведения в его техническом воплощении. Со всеми темпами и паузами симфония длится больше часа, что нехарактерно для классической эпохи, чего нельзя сказать о романтизме.

Послушать симфонию все же рекомендую, особенно ценителям классицизма. Музыка приятная и не требует какой-то специальной подготовки, именно поэтому этот опус – самый исполняемый в репертуаре композитора. #Шуберт

Стравинский о ЛСД, Сибелиус об алкоголе и курении, Стасов о «поганом Верди» и другие интересные высказывания великих деятелей искусства. Мы собрали для вас самые неформальные, острые и хамские цитаты композиторов и музыковедов. #Чтение

Симфония «1905 год» Дмитрия Шостаковича – сложнейшая по структуре и содержанию. Несмотря на то, что официально это как бы «реабилитирующее» композитора перед властью произведение, – т. е. программная симфония о величии революции 1905 года, на мой же взгляд – она рассказывает личную бескомпромиссную историю, главная идея которой – гуманизм.

Композиционно симфония рисует нам апокалипсис, место действия которого – Петербург. Это роднит 11-ю с «Ленинградской», где город также был ареной несправедливости, жестокости, тирании и смерти. Это произведение – портрет города-жертвы, но исходя из главной гуманистической концепции Шостаковича, где город = один человек, один человек = весь город, – музыка скорее о всеобщей человеческой жертве перед лицом гиены власти, об обреченной «борьбе со зверем», полем боя которой становится «Город трех революций».

Использование в структуре симфонии революционных песен «Слушай», «Арестант», «Вы жертвою пали» и т. д., для особо чутких слушателей, т. е. ленинградских диссидентов, которым отчасти являлся и Шостакович, играли совершенно другими оттенками, нежели официально принятая коннотация. Здесь Шостакович ловко переворачивает смыслы, которые в ином прочтении рассказывают о тех же ужасах тирании, которые давят личное и уничтожают духовное в человеке. Приятный для правящей партии мотив расстрела демонстрантов 9 января 1905 года во второй части симфонии, он же – мотив подавления венгерского антикоммунистического восстания в 1956 году. Сегодня можно рассматривать эту симфонию как оду всем народным восстаниям против государственной деспотии, как скорбь по всем погибшим в этой борьбе, как песнь, наполненную надеждой для всех политзаключенных...

Шостакович в своем творчестве дуалистичен, одна его сторона формальная, вторая искренняя и настоящая. Поэтому слушать его всегда надо «вглубь». 11-я симфония как ни одна другая – погружает в анабиоз, со своими контрастными темами, которые играют с восприятием слушателя, вводя его в те или иные заблуждения, что он и сам не понимает о чем эта музыка, но невольно становится ее заложником. #Шостакович

Сегодня слушаем современную академическую музыку, в некоторых источниках говорят – новаторскую. Речь пойдёт про оперу о Стиве Джобсе композитора Мэйсона Бейтса. Однозначно, автор держит нос по ветру и одним названием обеспечил себе полный зал. Да и вы, наверное, уже заинтересовались, что это за опера такая?:)

С музыкальной точки зрения довольно минималистская мелодическая картина, во многом походит на Филипа Гласса, есть и мотивы, узнаваемые в музыке Габриэля Прокофьева. Прямо скажем — звук технологический, задача которого описать мир будущего и настоящего, поэтому в композициях использованы как традиционные инструменты, так и современные: электрогитары и диджейский пульт. Символизирует это путь от прошлого к настоящему и будущему. И действительно — либретто оперы существует в едином целом с музыкальным содержанием. Композитор взял на себя смелость, через призму биографии лидера IT-корпорации, осмыслить эпоху нулей и единиц. Вероятно, это именно тот звук, который должен соответствовать сегодняшнему цифровому дню. Изменение нашего бытия, вместе с парадигмой взаимодействия с творческими продуктами, где условный гаджет или операционная система заменили музыку, литературу, живопись... — и есть главная проблематика оперы и глобально – нашего времени. Если в XX веке деятели искусства не то хоронили Бога, не то его искали, то сегодня – его заменяют, возводя на пьедестал технологию, как нового идола. #Бейтс

С Международным Днем музыки, друзья! В этот день предлагаем послушать отнюдь не триумфальную или жизнерадостную музыку, напротив, – мрачную, траурную, характеризующую смерть этой самой музыки... А дальше – шум. Здешняя грусть – это искаженная радость, поражение – триумф, а смерть – вечность. Речь пойдет о симфонической поэме Яна Сибелиуса «Тапиола».

В «Тапиоле» композитор, подводя итог эпохи великих деятелей, символически прощается с миром. Предвещает суровый, никого не щадящий «ветер перемен», убедительно обыгранный в финале протяженным adagio. С одной стороны, он отождествляет обрывающуюся нить жизни – некий реквием по собственной музе, с другой – глобальную бурю, окутывающую мир XX века.

Сибелиус описывает здесь и себя, как могущественного духа, обладающего тайной вечности и обитающем в мрачном северном лесу, куда не ступала нога человека. Ведь так и есть. После «Тапиолы» Сибелиус не напишет ни одного серьезного произведения. В двадцатом столетии музыка изменится, пройдут две Мировые войны... а «могущественный дух» так и останется смиренно охранять неведомую нам тайну, испытывая болезненную удовлетворенность от собственного одиночества. #Сибелиус

Составили подборку интересных книг про классическую музыку. Это чтобы вы в ней разбирались еще лучше:) Подобранные нами издания подойдут как совсем «чайникам», которые еще не умеют отличать Моцарта от Баха, так и продвинутым слушателям, готовым еще больше углубиться в философию нот. В прикрепляемой статье список книг с нашей краткой аннотацией и ссылками на скачивание. #Чтение

История Куллерво – персонажа карело-финского эпоса «Калевала» – глубоко трагична. Это история угнанного в плен мальчика, мстящего врагам. История юноши, полюбившего ту, что оказывается его сестрой. История разрываемого отчаянием героя, решившегося на самоубийство.

Ян Сибелиус запечатлел этот сюжет в музыке. Он сохраняет все эмоциональное напряжение фабулы и одновременно неспешный, масштабный темп повествования, задействуя мощные «инструменты» кантаты – хор и солистов.

Трагизм и размах нарратива композитор окантовывает волшебной, сказочной атмосферой, стержнем которой тем не менее остается тема предрешенности.
Пятичастная структура симфонии позволила развернуть перед слушателем стройное повествование. От «Интродукции», где еще наброском предстает весь строй произведения, завершающейся мощными и задумчивыми аккордами, через вторую часть – «Юность Куллерво» –лирическая и почти пасторальная картина которой переходит в горечь потрясения под ударами судьбы, в полную драматического накала часть третью («Куллерво и его сестра»), в которой мы впервые слышим мужской хор и голоса солистов (сопрано и баритон). Яркая яростная тема молодого, но уже пережившего страдания героя раскрывается в четвертой части («Куллерво вступает в борьбу»), в финале же («Смерть Куллерво») достигается эпическая вершина музыкального повествования. Его размах достигается с помощью своеобразной фольклорной поэтики, в чем-то близкой григорианскому хоралу.

Тема, впитавшая поэтизм северной земли и колоритную характерность личности, связанной глубоко со своим родом,  близка и самому Сибелиусу, судьба которого, в каком-то смысле, схожа с историей Куллерво. #Сибелиус

Цвет настроения осень – так мы решили назвать новый плейлист. Природные метаморфозы и времена года издавна вдохновляли композиторов. Осень не является исключением. В подборке мы решили показать настроения этого времени года. Одна часть мелодий носит лирический характер и отражает мягкие оттенки пятнистой осени, другая – ловит суматоху позднего урожая. Мы не забыли и про произведения, которые рисуют картину осенней хандры и меланхолии. В целом эти мелодии призваны показать все стороны золотой поры и выразить ее чувства. #Подборка

Все мы задумываемся о смерти. К этой теме, страшной и одновременно неизбежной, Модест Мусоргский обращается в середине 1870-х годов.  Такому настроению способствует многое – потеря близких людей и горечь неприятия его творчества соратниками.

Он практически забрасывает «Хованщину» и, ведомый нервическим вдохновением, создает цикл «Без солнца» и вокальную балладу «Забытый», под впечатлением от одноименной картины Василия Верещагина, где изображен, как вы помните, мертвый солдат, над телом которого  кружат пернатые хищники.

Композитор задумывает цикл, целиком посвященный смерти, приходящей к разным людям – силы, выкашивающей всех, от мала до велика, силы безрассудной и слепой, не утешающей, но властвующей. В работе Мусоргский снова использует стихи, написанные его другом и единомышленником поэтом Арсением Голенищевым-Кутузовым. Он планирует расширить тему на несколько номеров. Но в 1876 г. и их дружба распалась – поэт женился, его жизнь изменилась. Мусоргский потерял практически последнего из сторонников и товарищей. Вокальный цикл в окончательной редакции остался четырехчастным.

Каждый романс цикла начинается с описания ситуации – от самой мирной до яростно-грозной: мать, укачивающая младенца, юная девушка, ждущая кавалера, мужик в зимней степи и, наконец,  люди на поле боя, где «реки красные текут».
Мастер вокальной картины, интонации, композитор ошеломляюще точно передает, как Смерть преображает все вокруг – гасит светлые ноты колыбельной, обесцвечивает серенаду, замораживает плясовую. И наконец побеждает и властвует на поле битвы – полководцем, чей приказ нарушить невозможно. «Жизнь вас поссорила – я помирила» © Смерть. #Мусоргский

Самая известная и при этом самая загадочная серенада Моцарта, имеющая вполне мистический номер – 13, – известна нам как «Маленькая ночная серенада». Ночь – это тоже, знаете ли, время таинств. Если вы ранее не слышали это произведение, то знайте, что в музыке нет ничего ни мистического, ни таинственного. Сплошная радость и веселье. А вот зачем, при каких обстоятельствах и для кого был написан шедевр – неизвестно. То ли просто на заказ, то ли для масонской ложи, то ли в посвящение кому-то... Думаю, что это музыкальное описание праздного настроя ночной Вены и ее узеньких улочек, на которых обитают слегка охмелевшие гуляки, готовые нырнуть в объятия лунного света. #Моцарт

Первая сюита для виолончели И. С. Баха – самое известное произведение классической музыки. Характер звучания у нее двойственный, с одной стороны мелодия полна сакрального   умиротворения, с другой – погружает в состояние аффекта и некой прострации, именно поэтому ее часто используют в тех или иных сценах кинематографа. Понимание сюиты зависит в первую очередь от интерпретации, где исполнительский волевой нерв, его эмоциональное горение, должно увлечь аудиторию богатством образов и глубиной переживаний, при этом не уйти в отсебятину, грань которой, в этом произведении, очень тонка. Публикуем сюиту в трех разных интерпретациях.

Удивительно, как спустя века мелодия Баха не потеряла своей современности, в ней нет очевидно «старого» звука, поэтому далекий от классической музыки слушатель может запутаться даже в приблизительном определении возраста этого произведения. Строгая, логически выстроенная, в чем-то нуарная и минималистская мелодическая картина Баха идеально ложиться и на эпоху XX века, отчасти поэтому именно в это столетие к сюитам Баха был особый интерес у исполнителей и музыкальных исследователей. Думаю, такая вечная актуальность произведения обусловлена математической точностью, которой придерживается Бах в своей гармонии. Не зря Баха называют самым «научным» композитором. Тут есть и новаторские приемы, которые ранее в виолончельном творчестве не использовались, например – применение на виолончели приема унисонов, вследствие чего возникает удвоение динамики и новая тембровая окраска звучания. #Бах

«Россия – страна простора, страна песни, страна минора, страна Христа» – писал Георгий Васильевич Свиридов. И еще, о себе – «Я не считаю, что я лучше других, более замечательный. Но, вот я такой как есть — русский человек. И этим горжусь. Надо гордиться, что мы — русские люди!».

И это автор музыки к 13 кинофильмам, Народный артист СССР, Герой Социалистического труда, лауреат Ленинской и трижды лауреат Государственных премий, обладатель многочисленных наград, создатель знаменитого на всю страну «Время, вперёд!»… И еще член правления Союза композиторов, депутат Верховного Совета РСФСР, тот, за чьей подписью 17 сентября 1958 года в «Правде» была опубликована статья «Искоренять пошлость в музыке», положившая начало травле Марка Бернеса… С кем он тогда боролся и насколько потом чувствовал себя инквизитором?

Над циклом «Песнопения и молитвы для хора без сопровождения» Свиридов работал почти двадцать лет, в последние годы своей жизни, и не завершил его.

Однако он совершил практически чудо, вернув абсолютно русскую музыку русскому слушателю – уже отвыкшему, отученному от духовности, присущей мелодике прошлых веков. Советскому человеку, переученному веком двадцатым, – музыка должна звать товарищей вперед, к победе, к подвигу, будить в них то, что называется «настоящим человеком». Но когда пал колосс Союза, что осталось от новой духовности без веры?

«Песнопения и молитвы» Свиридова ищут отклик не просто в душе – но в том, что православие ставит над душой, в духе, соединяющем каждого человека с Богом. Музыкальность «Песнопений», берущая исток в глубокой и чистой сокровенности церковного хорала, переходит в открытость оперную – но в «несказочной», не в исторической ее ипостаси, но в выразительной, самобытной. Свиридов использует широчайший тембр хорового пения. И открывает завесу душевной «заношенности», отягощенности бытом, бренности – над просторами невероятной по своей силе красоты. Но основной, всепроникающей темой цикла остается глубокая задумчивость человека, обратившегося к Богу и вдруг – увидевшего его. #Свиридов

​​Двадцатая прелюдия Шопена – мощнейшее скорбное произведение для фортепиано. В мелодии, длящейся чуть больше минуты, выражена вся мрачная гамма траурного шествия. Прелюдия написана в тональности до-минор, считавшейся в эпоху барокко самой печальной, которую классики – Моцарт, Бетховен, Глюк, – трактовали уже как трагическую. Композиция по-шопеновски строгая, при всей своей драматичности, в ней отсутствует романтический уклон в сентиментальность. Здесь нет мотива спасения. Это замедляющийся сердечный ритм. Последний удар... Тишина... #Шопен

Редакция канала выражает соболезнования родным и близким погибших в Керчи. 17. 10. 2018